https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=185 Entrées d’index fr 0 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=378 The Dies irae is a pervasive trope in film music, yet few composers have subjected it to transformations as intricate and imaginative as those found in the work of John Williams. This article examines the syntactic and semantic features of seven distinct Dies irae variants that appear in a number of Williams scores. These variants operate as complex signifiers that evoke a constellation of overlapping ideas—apocalypse, guilt, and punishment—all of which resonate with the original source: Thomas of Celano’s medieval hymn “Day of Wrath,” a vision of divine judgment at the end of time. Williams’ sophisticated deployment of the Dies irae exemplifies his multidimensional engagement with deeply embedded cultural codes in the service of musicodramatic narrative. Le Dies irae est un trope largement répandu dans la musique de film, mais peu de compositeurs l’ont soumis à des transformations aussi complexes et imaginatives que celles que l’on observe chez John Williams. Cet article analyse les caractéristiques syntaxiques et sémantiques de sept variantes distinctes du Dies irae présentes dans un ensemble de partitions de Williams. Ces variantes fonctionnent comme des signifiants riches, évoquant une constellation d’idées interconnectées – apocalypse, culpabilité, châtiment – renvoyant toutes à leur source originelle : l’hymne médiéval « Jour de colère » de Thomas de Celano, vision du Jugement dernier et de la fin des temps. L’usage raffiné du Dies irae chez Williams témoigne de son rapport multidimensionnel à des codes culturels profondément enracinés, qu’il met au service d’un récit musicodramatique. jeu., 22 janv. 2026 22:47:39 +0100 ven., 30 janv. 2026 13:42:23 +0100 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=378 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=301 Adepte de l’écriture concertante dans sa musique de concert avec une douzaine de concertos pour de nombreux instruments, John Williams y a eu aussi recours dans huit films : Sugarland Express (Steven Spielberg, 1974) pour harmonica, Né un 4 juillet (Oliver Stone, 1989) pour trompette, La Liste de Schindler (Steven Spielberg, 1993) pour violon, Sept ans au Tibet (Jean-Jacques Annaud, 1997) pour violoncelle, Ma meilleure ennemie (Chris Columbus, 1998) pour guitare, Arrête-moi si tu peux (Steven Spielberg, 2002) pour saxophone alto, Le Terminal (Steven Spielberg, 2004) pour clarinette et Mémoires d’une geisha (Rob Marshall, 2005) pour violon et violoncelle. Les formes d’écriture solistes de John Williams sont diversifiées et peuvent être classées en trois modèles bien différenciés au niveau de la séquence musicale : cantabile, concertant et improvisateur. Tout en montrant l’extraordinaire inventivité mélodique de John Williams, cette étude illustre la capacité du compositeur à absorber plusieurs modèles stylistiques – chanson, concerto de soliste, improvisation de jazz – en les mettant au service du propos narratif (évocation de la solitude ou conflit avec la société), renouvelant ses approches au gré des propositions cinématographiques et des genres dans lesquelles elles s’inscrivent. Familiar of concertante writing in his concert music with a dozen concertos for numerous instruments, John Williams also used it in eight films: Sugarland Express (Steven Spielberg, 1974) for harmonica, Born on the Fourth of July (Oliver Stone, 1989) for trumpet, Schindler’s List (Steven Spielberg, 1993) for violin, Seven Years In Tibet (Jean-Jacques Annaud, 1997) for cello, Stepmom (Chris Columbus, 1998) for guitar, Catch Me If You Can (Steven Spielberg, 2002) for alto saxophone, The Terminal (Steven Spielberg, 2004) for clarinet, and Memoirs of a Geisha (Rob Marshall, 2005) for violin and cello. John Williams’s soloist writing styles are diverse and can be classified into three distinct models in terms of musical sequence: cantabile, concertante, and improvisational. While demonstrating John Williams’s extraordinary melodic inventiveness, this study illustrates the composer’s ability to absorb several stylistic models—song, solo concerto, jazz improvisation—and put them at the service of the narrative (evoking loneliness or conflict with society), renewing his approaches according to the cinematic proposals and genres in which they are embedded. jeu., 01 mai 2025 19:13:45 +0200 ven., 30 janv. 2026 12:58:29 +0100 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=301 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=181 John Williams’s score for the 1977 space opera Star Wars: Episode IV - A New Hope is often celebrated for its neo-romantic style and distinctive character leitmotifs—subsequently developed by Williams across eight additional films. Almost fifty years later, new Star Wars content is introduced primarily through streaming television on Disney+ and the sound of the franchise is changing as numerous composers are contributing to these Star Wars scores. This article provides a leitmotivic analysis of Ludwig Göransson and Joseph Shirley’s score for the Disney+ streaming miniseries The Book of Boba Fett. The analysis considers the direct quotation and evolution of Williams’s leitmotifs in the Star Wars television scores of Göransson and Shirley, the creative mutation of leitmotifs—specifically the melodic sequencing of thematic fragments—to parallel character development, and the use of multiple leitmotifs for a single character to highlight the non-linear narrative structure of the show. La musique de John Williams pour le space opera Star Wars : Épisode IV – Un nouvel espoir, sorti en 1977, est souvent célébrée pour son style néoromantique et ses leitmotivs associés aux personnages, que Williams a ensuite développés tout au long des huit autres films de la saga. Près de cinquante ans plus tard, l’univers Star Wars continue de s’étendre à travers des séries diffusées en streaming sur Disney+, et l’identité sonore de la franchise évolue à mesure que de nombreux·ses compositeur·rices contribuent à ces musiques. Cet article propose une analyse leitmotivique de la partition de Ludwig Göransson et Joseph Shirley pour la mini-série The Book of Boba Fett (2021). L’analyse examine les citations directes et l’évolution des leitmotivs de John Williams dans les musiques de Göransson et Shirley, la mutation créative de ces leitmotivs – en particulier la recomposition mélodique de certains fragments thématiques – afin d’accompagner le développement des personnages, ainsi que l’utilisation de plusieurs leitmotivs pour un même personage, soulignant ainsi la structure narrative non linéaire de la série. lun., 03 mars 2025 11:44:51 +0100 ven., 11 avril 2025 14:01:18 +0200 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=181