https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=516 Entrées d’index fr 0 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=509 This essay advocates Michael Riffaterre’s concept of “ungrammaticality”—a moment within a text that appears illogical or confusing according to its own internal grammar—as a useful heuristic for analyzing film music. While intertextuality has long underpinned film music studies, scholars have yet to fully engage with Riffaterre’s model, which emphasizes how such disruptions compel interpretive work by sending audiences outside the text to make meaning.In cinema, music often functions precisely this way: moments like the entrance of nondiegetic underscoring or abrupt changes in sonic logic interrupt the coherence of the diegetic world and thereby activate the viewer’s intertextual competence. The result is a cinematic meaning-making process rooted not in mimesis but in structured deviation from preexisting models (what Riffaterre calls “hypograms”). The essay employs this analytical approach through diverse examples to reveal that ungrammaticality is a constitutive feature of cinematic music. Such moments affirm film’s identity as an intertextual medium—one that encodes meaning as much through violation of norms as it does through adherence to them. Cet article propose de transposer à l’analyse de la musique de film le concept d’agrammaticalité de Michael Riffaterre, soit l’instant où un texte paraît illogique ou déroutant selon sa propre grammaire interne. Si l’intertextualité constitue depuis longtemps un modèle dans les études sur la musique de film, les chercheur·euses ne se sont pas encore pleinement saisi·es des travaux de Riffaterre, qui mettent l’accent sur la manière dont de telles ruptures contraignent à un travail interprétatif en conduisant les publics hors du texte afin de produire du sens.Au cinéma, il arrive que l’entrée d’une musique non diégétique ou des changements brusques dans la logique sonore interrompent la cohérence du monde diégétique et active ainsi la compétence intertextuelle des spectateur·rices. En résulte un effet selon lequel le sens cinématographique ne repose pas sur la mimésis mais sur une déviation structurée par rapport à des modèles préexistants (ce que Riffaterre appelle des hypogrammes). L’article explore cette proposition analytique à travers différents exemples, afin de montrer que l’agrammaticalité constitue une caractéristique fondamentale de la musique au cinéma. De tels moments témoignent de la nature intertextuelle du cinéma, qui produit du sens aussi bien par la transgression des normes que par leur respect. sam., 12 sept. 2026 23:43:45 +0200 jeu., 15 oct. 2026 17:28:17 +0200 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=509 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=596 Cet article aborde l’approche esthétique de Jean-Luc Godard en matière de musique de film et explore ses particularités à travers l’étude de la fonction de la musique dans les productions de Godard pour le cinéma et la télévision du début des années 1960. Transgressant les conventions musicales d’Hollywood, la musique des films de Godard invite à développer un modèle théorique alternatif à ceux établis et déjà élaborés pour le cinéma hollywoodien et ses dérivés. Par les procédés de fragmentation, de répétition et de citation, Godard s’affranchit ainsi de la fonction traditionnellement attribuée à la musique de film – celle d’ajout accessoire aux images et aux dialogues – pour remanier la continuité narrative et constituer une musique autoréflexive et métafilmique, qui réfléchit à son propre statut de musique de film. L’examen systématique de l’emploi des procédés de fragmentation dans l’épisode « Montparnasse-Levallois » tiré de Paris vu par… (1965) à travers le concept d’ellipse (gapping), de répétition pour le thème de Camille dans Le Mépris (1963) – qui agit comme critique implicite de la technique du leitmotiv –, et de citation dans Une femme mariée (1964) met en lumière l’approche originale de Godard, remettant en question à la fois la structure sémantique des récits filmiques et les codes hollywoodiens de l’utilisation de la musique de film. This article discusses Jean-Luc Godard’s aesthetic approach to film music and explores its unique features through the study of the function of music in Godard’s film and television productions of the early 1960s. Subverting Hollywood’s musical conventions, Godard’s film music urges the development of an alternative theoretical framework to the established and elaborate theories dedicated to Hollywood cinema and its derivatives. Through the devices of fragmentation, repetition and quotation, Godard thus frees himself from film music’s traditionally assigned functions—an accessory add-on to the images and dialogue—to reshape the narrative flow and constitute a self-reflexive and metafilm music, reflecting upon its own state of being film music. The systematic examination of the uses of such devices as fragmentation in the episode “Montparnasse-Levallois” in Paris vu par… (1965) with the concept of gapping, repetition for the “Camille” theme in Le Mépris (1963)—acting as an implied criticism of the leitmotiv technique—, and citation in Une femme mariée (1964) highlights Godard’s unique approach to film music, challenging both the semantic structures of the filmic narratives and Hollywood norms in the use of film music. mer., 30 sept. 2026 16:22:25 +0200 jeu., 15 oct. 2026 17:26:04 +0200 https://publications-prairial.fr/emergences/index.php?id=596