https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=102 Index terms fr 0 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=1462 This article takes a closer look at Jean-François Peyret’s recent stage adaptation of Mary Shelley’s Frankenstein entitled La Fabrique des monstres : Démesure pour mesure (2018). In this two-hour play, Peyret, a controversial playwright obsessed with modern science (neurology, biology) and the impact of medicine, mechanical productions and artificial intelligence in our societies, reflects on the genesis of Shelley’s story—the climate, the exile, the personal turmoil—to create a world where fiction meets reality and innovation meets the basic human needs for procreation coupled with a taste for transgression. The result is essentially physical, sexual, organic. Bodies clash and minds explode in this all too provocative vision of Promethean modernity. What would Frankenstein be today is the question that haunts Peyret’s characters throughout their contemporary performance? A scientific invention, an improvised speech on the metaphysics of theatricality, an unbearable future filled with delusion and misconception? Or maybe just a comedian? The answer is unclear but certainly meant to stimulate our imagination, in an attempt at educating the somewhat reluctant spectators who are forced to rediscover Mary Shelley’s work from a brand-new perspective. Cet article s’intéresse à l’adaptation théâtrale de Frankenstein par le metteur en scène contemporain Jean-François Peyret, intitulée La Fabrique des monstres : Démesure pour mesure (2018). Dans cette pièce longue de deux heures, le dramaturge connu pour ses représentations de la science (neurologie, biologie) au théâtre ainsi que pour ses réflexions sur l’impact de la médecine, de l’intelligence artificielle et du machinisme dans nos sociétés modernes, revient sur la genèse de l’œuvre de Mary Shelley. Il met en scène le climat, l’exil, les circonstances personnelles afin de créer un monde où la fiction et la réalité s’entremêlent, où l’innovation rime autant avec l’instinct premier de procréation qu’avec le goût pour la transgression. La vision de Peyret, souvent provocatrice, de cette modernité prométhéenne, est à la fois physique, sexuelle, organique dans une dramaturgie ambitieuse où les corps s’affrontent et les esprits se libèrent. Au centre de la scène, il y a surtout une performance d’acteurs hantés par cette même question qui obsède Peyret : que serait Frankenstein aujourd’hui ? Une invention scientifique, un discours d’improvisation théâtrale, une métaphysique, un malentendu, une illusion porteuse d’un futur aussi insoutenable qu’incertain ? Ou peut‑être serait‑il juste un comédien parmi d’autres ? La réponse se veut volontairement confuse. Mais elle doit surtout stimuler l’imagination des spectateurs et les éduquer, fût‑ce à leur corps défendant, les incitant à redécouvrir Mary Shelley et son œuvre sous un angle nouveau. lun., 23 juin 2025 11:55:20 +0200 jeu., 16 oct. 2025 10:58:13 +0200 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=1462 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=91 La venue du Roi Lear dirigé par Georges Lavaudant à la Maison de la Culture de Grenoble (MC2) en novembre 2022 a offert à la communauté de chercheuses et de chercheurs en lettres, art et anglais, l’opportunité de réfléchir à cette œuvre magistrale et à ses diverses facettes dans l’espace culturel contemporain. Écrit entre 1603 et 1606 par William Shakespeare, Le Roi Lear n’a cessé de susciter l’intérêt des grands metteurs en scène des XXe et XXIe siècles, mais d’autres domaines artistiques ou littéraires s’en sont également emparés que ce soit à l’opéra, chez les peintres, les cinéastes, les poètes ou dans les albums illustrés. Sous ces formes différentes, l’histoire du Roi Lear s’est inévitablement transformée, les particularités stylistiques du script, du scénario ou de la partition mettant en lumière certains aspects de l’intrigue au détriment d’autres, relégués au second plan voire omis. Les choix esthétiques du peintre, du chorégraphe ou du scénographe eux aussi ont orienté le regard de l’observateur et modifié la perspective de l’œuvre. Quels sont ces autres récits ou démarches narratives et quelle mémoire de l’œuvre veulent‑ils transmettre ou transformer ? Comment ces expressions artistiques se superposent‑elles ou dialoguent‑elles à l’intérieur de l’œuvre (intermédialité) et à l’extérieur (pluri‑médialité) de celle‑ci ? Quels liens établissent‑elles avec le public, qu’il soit auditeur, observateur ou lecteur ? Parviennent‑elles effectivement à toucher toutes les générations, toutes les sensibilités ? Enfin, quelles traces laissent‑elles dans l’Histoire, celle de notre temps ? Afin de croiser nos réponses à ces questions, ce numéro de Représentations dans le monde anglophone rassemble les travaux issus de divers domaines littéraires et artistiques par lesquels les auteurs interrogent la place qu’occupe le Roi Lear aujourd’hui encore dans le champ de leur recherche. Roi Lear désintégré © Danièle Rivier With the successful production of King Lear directed by Georges Lavaudant that toured France in 2022 (in particular in the MC2, Grenoble), a new opportunity was given to the community of scholars to explore this masterful play as well as its various appropriations in the contemporary cultural landscape. Written between 1603 and 1606 by William Shakespeare, Lear has never stopped arousing the interest of 20th- and 21st-century directors. Yet, artists from other fields have also conveyed its force with different tools, whether in operatic versions, paintings, films, poetry or novels. The aesthetic choices of painters, choreographers and moviemakers have inevitably directed the viewers’ gaze and modified the perspective of the play. What are the narratives conveyed by all these aesthetics and what have the latter kept from or transformed in the play? How do these aesthetics either superimpose each other within the play (intermediality) or communicate among one another outside it (pluri-mediality)? How do they attract the audiences (readers, scholars, auditors)? Can they really fascinate all the generations and address all the sensitivities? Finally, what traces have they left behind them in history? In order to answer those questions, the present issue of Représentations dans le monde Anglophone gathers the works of authors from the fields of Literature, Arts and Languages to assess the central position of King Lear in research. Roi Lear désintégré © Danièle Rivier ven., 24 nov. 2023 11:36:57 +0100 mer., 29 mai 2024 12:11:48 +0200 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=91 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=178 L’opéra Lear du compositeur allemand Aribert Reimann est un véritable mythe dans le monde de l’art lyrique contemporain, joué sur toutes les scènes internationales depuis sa création en 1978. Toutefois, les obstacles au projet étaient nombreux. Reimann reculait devant une entreprise dans laquelle Guiseppe Verdi avait échoué. La recherche d’une traduction qui convenait au sujet était complexe et il s’avéra difficile d’abréger le texte, procédé pourtant nécessaire à tout opéra littéraire. En outre, lors des créations française et américaine, Reimann fut obligé de réaliser une traduction et, par conséquent, de réécrire les lignes vocales.Après une brève introduction au travail de Reimann, l’article retrace les préparatifs du projet afin d’apprécier les différentes traductions du Roi Lear de William Shakespeare, dont les auteurs disposaient, le contexte artistique ainsi que l’échange entre le librettiste Claus H. Henneberg et certains de ses collègues. Un deuxième passage est consacré à l’épigraphe de la partition, qui permet d’évoquer le contexte politique de l’œuvre. Ayant vécu la Seconde Guerre mondiale ainsi que la Guerre froide en tant que résidant de Berlin-Ouest, Reimann souligne toujours l’arrière‑plan politique et historique de ses opéras, bien que cela ne soit pas son mobile principal. S’ensuit l’analyse du livret, qui, en comparaison avec la pièce de théâtre, met en valeur les techniques de dramaturgie employées par Henneberg, également mises en lumière par un synopsis d’états antérieurs du texte. Quelques remarques sur le langage en général et les deux traductions du livret en particulier font office de conclusion. The opera Lear by the German composer Aribert Reimann is one of the great myths of 20th century musical theatre, staged by the most famous institutions worldwide since its first performance in 1978. However, obstacles to its realization were numerous. Reimann shrunk from undertaking a task that already Giuseppe Verdi had failed to accomplish. Finding a translation that would suit de topic was a complex endeavour and it proved difficult to make an arrangement of the text, a procedure that is essential to every literary opera. Furthermore, Reimann was obliged to commission translations for the French and American premieres and therefore he had to rewrite the vocal lines.Following a brief introduction to Reimann’s work, the article describes the project’s preparatory phase in order to discuss the different translations of King Lear by William Shakespeare the authors had at hand, the artistic context as well as the exchange between librettist Claus H. Henneberg and some of his colleagues. A second part considers the score’s epigraph, thus relating to the work’s political context. Having experienced World War II and the Cold War, as a resident of West Berlin, Reimann always underlines the political and historical background of his operas, though this is not his primary starting point. Then, in a third and final part, a complete analysis of the libretto is developed. Comparing it to the play, it outlines Henneberg’s formal techniques that are also highlighted by a synopsis of earlier versions of the text. A few remarks on the language used in general and the libretto’s two translations in particular serve as conclusion. mar., 05 déc. 2023 15:36:10 +0100 mar., 19 déc. 2023 10:18:51 +0100 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=178 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=99 Le premier grand dramaturge français qui s’est emparé de Shakespeare de façon mémorable est Jean‑François Ducis (1732‑1817), membre de l’Académie Française, écrivain adulé en son temps et dont la renommée s’est étendue dans toute l’Europe, tant en français qu’en traduction. Lorsqu’il fait jouer Le Roi Léar à la Comédie-Française en 1783, il est au faîte de sa gloire. Son texte, écrit en alexandrins à la rime classique, est porté à la scène par le grand acteur Brizard qui émeut les spectateurs jusqu’aux larmes par l’intensité de ses sentiments.Ducis, inspiré par le Théâtre Anglois de Pierre-Antoine de La Place (1746) pour ses deux premiers « Shakespeare » (Hamlet et Roméo et Juliette), se tourne vers la traduction de Pierre Le Tourneur (1737‑1788) pour son Roi Léar (volume 5 paru en 1779), traduction intégrale en prose, fidèle aux textes originaux. Cependant, Ducis s’écarte de la trame shakespearienne pour adapter Shakespeare au goût et aux principes dramaturgiques de son époque, convaincu, avec ses innombrables admirateurs, qu’il améliore l’original et fait œuvre personnelle. Ainsi, au dénouement, le roi Léar recouvre sa raison parmi ses larmes et marie sa plus jeune fille Helmonde à Edgar.Cet article s’appliquera à montrer l’importance des sources utilisées par Ducis et son désir d’offrir à ses spectateurs et lecteurs une version de l’œuvre de Shakespeare conforme à leurs attentes. Mais on observera les indices qui laissent poindre une approche plus sensible du théâtre, ouvrant la voie à une inflexion pré‑romantique. Jean-François Ducis (1732–1817) is the first major French playwright who took his inspiration from Shakespeare on a sustained basis. A member of the Royal Academy (Académie Française), he was much admired in his lifetime, his fame spreading all over Europe, and his plays being performed in French as well as in translation. When his Roi Léar, a tragedy written in heroic alexandrines, was played at the Comédie-Française in 1783, his fame was at its apex. The title-role was performed by the famous actor Brizard who moved the audiences to tears through the intensity of his rendering.If for his first two Shakespeare plays (Hamlet and Roméo et Juliette), Ducis drew his inspiration from Le Théâtre Anglois (1746), a four-volume collection by Pierre-Antoine de La Place, for his Roi Léar, he turned to the complete translation of Pierre Le Tourneur (volume 5 published in 1779), a full translation in prose close to the original. However, Ducis did not keep to the Shakespearean plot, he chose to adapt the play to the taste and theatrical conventions of his time, convinced, along with his numerous admirers, that in so doing, he improved the original and was producing a new play with his personal mark. So in the dénouement the King recovered his wits among much tear shedding and married his youngest daughter Helmonde to Edgar.In this paper I will endeavour to show the importance of the sources used by Ducis and his wish to offer his audiences and readers a version of the tragedy corresponding to their expectations. However, I will point out some trends which feature a more sensitive perception of drama, which paves the way for a pre-romantic approach. jeu., 30 nov. 2023 10:51:12 +0100 lun., 18 déc. 2023 15:21:06 +0100 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=99 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=168 William Shakespeare’s plays are one of the main sources of inspiration for the international opera scene. Over the centuries, some 350 opera composers have adapted one of his plays. Yet few of these works have been successful enough to enter the world repertoire of the most performed scores. King Lear is one of Shakespeare’s longest and most complex plays. Significantly, Aribert Reimann’s version, created in 1978, is the only one, out of the twenty other operas adapted from King Lear and composed between 1817 and 2000, to have entered the aforementioned world repertoire. The aim of this article is to find out how Reimann and his librettist Claus H. Henneberg managed to do it and, more generally, what this opera says about operatic adaptations of Shakespeare’s plays. We will thus pay particular attention to the way Reimann and Henneberg tackled four major structuring issues. The first concerns the total length of the work and the cuts to be made in the original text. Then, we will look at the way the German pair dealt with the complex and polymorphous nature of Shakespeare’s characters, before tackling the question of enunciation on the operatic stage and its specificities in terms of action. Last, since opera is a global art form, we will wonder whether a libretto is a drama set to music or a drama written for music, and see how Reimann and Henneberg answered this question. William Shakespeare et son œuvre constituent l’une des principales sources d’inspiration de la scène lyrique internationale. Au fil des siècles, environ 350 compositeurs ont adapté une ou plusieurs de ses pièces à l’opéra. Mais peu de ces œuvres ont connu un succès suffisant leur permettant d’intégrer le répertoire mondial des partitions les plus jouées. Parmi les œuvres de Shakespeare, Le Roi Lear est l’une de ses pièces les plus longues et les plus complexes. De manière significative, sur les vingt opéras adaptés du Roi Lear et composés entre 1817 et 2000, aucun n’est entré dans le répertoire mondial susmentionné. Aucun, sauf celui du compositeur allemand Aribert Reimann et de son librettiste Claus H. Henneberg, créé en 1978. Le but de cet article est donc de savoir comment tous deux ont réussi à créer un opéra à partir du Roi Lear et, plus généralement, ce que cet opéra dit des adaptations lyriques des pièces de Shakespeare. Pour ce faire, nous accorderons une attention particulière à la manière dont le couple allemand a abordé quatre grandes questions de structuration. La première concerne la longueur totale de l’œuvre et les coupes à opérer dans le texte original. Il s’agira ensuite d’étudier la manière dont Reimann et Henneberg ont traité la nature complexe et polymorphe des personnages de Shakespeare, avant d’aborder la question de l’énonciation sur la scène lyrique et ses spécificités en matière d’action. Enfin, l’opéra étant un art global, nous nous demanderons si un livret est un drame mis en musique ou un drame écrit pour la musique, en regardant comment Reimann et Henneberg ont répondu à cette question. jeu., 30 nov. 2023 16:59:07 +0100 lun., 18 déc. 2023 15:03:38 +0100 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=168 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=144 Cet article a pour objet deux mises en scène du Roi Lear, jouées en 2023. Toutes deux sont des versions considérablement abrégées de la pièce de Shakespeare. L’une est une version amatrice jouée en quarante minutes et intitulée King Lear (approximately), par le théâtre du Sycomore de Tournon-sur-Rhône (Ardèche). L’autre, One Shot Shakespeare: King Lear! d’une durée d’une heure quarante a été montée en quatre jours par Irina Brook et sa compagnie dans le théâtre élisabéthain du château d’Hardelot (Nord-Pas-de-Calais). Ces deux adaptations, considérées sous l’angle de l’intermédialité, nous invitent à réfléchir à la rencontre entre publics et acteurs dans une dynamique de médiation culturelle, en nous concentrant notamment sur le passage du texte shakespearien sur scène au moyen de la réécriture, de la traduction, de la mise en espace et de l’interaction avec les spectateurs. This article focuses on two adaptations of King Lear, performed in 2023. Both are abridged versions of Shakespeare’s play. One is an amateur production, performed by the Théâtre du Sycomore in Tournon-sur-Rhône (France) in forty minutes and entitled King Lear (approximately). The other is entitled One Shot Shakespeare: King Lear! This one-hour-and-forty-minute version was staged within four days by Irina Brook and her company in the Elizabethan playhouse at the Hardelot castle (Nord-Pas-de-Calais, France). Both productions, when considered under the lens of intermediality, lead us to reflect on the encounter between audiences and actors and on the dynamics of cultural mediation. I shall focus specifically on the move from page to stage through rewriting, translation, staging and interaction with spectators. jeu., 30 nov. 2023 15:18:37 +0100 lun., 18 déc. 2023 10:44:40 +0100 https://publications-prairial.fr/representations/index.php?id=144